Autor: da Redação

O público terá oportunidade de ver  bem de perto o monumento O Laçador, obra mais importante do escultor Antônio Caringi. Entre os dias 27 e 31 de março, uma estrutura temporária de andaime será montada em volta do monumento, na qual o público poderá subir para observar o símbolo oficial da capital.

A atividade, iniciativa da Secretaria Municipal da Cultura, com apoio da JOG Engenharia de Andaimes, integra a programação da Semana de Porto Alegre, que ocorre entre os dias 21 e 30 de março. As visitações serão realizadas das 9h ao meio-dia e das 14h às 18h.

Além do andaime que cercará a obra de Antônio Caringi,  localizado próximo ao antigo terminal do Aeroporto Salgado Filho, no bairro São João, os visitantes contarão também com área com cobertura provisória, bancos, banheiros químicos e food trucks. Uma equipe da Secretaria Municipal da Cultura estará no local informando sobre a história do monumento e a respeito o processo de restauração do mesmo que começará em breve. A estrutura oferecida não terá custo aos cofres públicos.

Essa será uma oportunidade única para aqueles que querem conhecer melhor O laçador, antes do monumento ser retirado do local em que se encontra para passar por processo de restauração.  O Sindicato das Indústrias da Construção Civil no Estado do Rio Grande do Sul (Sinduscon) é responsável pelo projeto de restauro do monumento.

 História do monumento

O Laçador foi modelado por Antônio Caringi em 1954, tendo como modelo o folclorista Paixão Côrtes, e venceu um concurso com o objetivo de ser o Símbolo do Gaúcho.  Naquele ano, em exposição internacional, a escultura em gesso foi apresentada na Cidade de São Paulo. Somente em 20 de setembro de 1958, já fundido em bronze, O Laçador foi inaugurado no local original, no extinto Largo do Bombeiro. Em 1992, por Lei Municipal, a estátua foi declarada Símbolo Oficial de Porto Alegre.

Em 2007, a estátua foi transferida de local para onde se encontra atualmente, “Sítio do Laçador”, sendo instalada em uma estrutura elevada, numa espécie de “coxilha”, o que distanciou a estátua dos transeuntes, dos que se aproximam para vê-la.

Serviço
Visitação ao Monumento Laçador
De 27 de março (quarta-feira) a 31 de março (domingo)
das 9h às12:00 e das 14h às18h
Atividade gratuita

Espetáculos teatrais, saraus literários, shows, exposição de artes visuais, sessões de cinema e atividades especiais para o Dia Mundial do Teatro estão entre as ações prevista no Sesc Centro, em Porto Alegre em março.
Entre os destaques, o show musical “Cultura di Buteco: As bambas do Samba”, com a cantora Glau Barros, em homenagem aos grandes sambistas.
É no dia 15 de março, às 18h30, no Teatro do Sesc Centro (Av. Alberto Bins, 665). Os ingressos a R$ 10, na hora do evento.
No dia seguinte, 16, é a vez do projeto “Desenhança no palco”, pela artista e idealizadora do projeto Guadalupe Rausch, acompanhada dos músicos Clarissa Ferreira e Lucas Ramos. Utilizando movimentos de dança, os bailarinos desenham em uma grande folha no chão, em uma imersão no universo cênico e interior de cada um.
O desafio é se permitir a experimentar movimentos, sentidos e imaginação em uma brincadeira que integra crianças e adultos.
Ingressos disponíveis a partir de R$ 10, com desconto para quem possui o Cartão Sesc/Senac ou têm direito à meia-entrada..
Para celebrar o Dia Mundial do Teatro, marcado pela data de 27 de março, o Sesc preparou uma programação intensa e diversificada que reflete sobre o “protagonismo feminino no fazer teatral”.
O “Dia Mundial do Teatro com ELAS”, receberá iluminadoras, técnicas de som, produtoras, diretoras, dramaturgas, encenadoras, autoras, criadoras, todas mulheres e responsáveis por fazer esta arte acontecer.
Durante o dia, serão oferecidos debates, oficinas e apresentações.
A entrada é franca e os interessados em participar devem realizar a inscrição por meio do e-mail culturacentro@sesc-rs.com.br.
No dia 28 de março, o escritor Richard Serraria realiza a oficina “Poesia para todo Sampler”. O são convidados “perceber” a poesia em suas diversas formas, declamada, mastigada, cantada.
Por meio de exercícios, que misturam elementos sonoros, todos serão convidados a expandir a criatividade e experimentar novas formas de escrita, unindo poesia e música.
Interessados já podem obter seus ingressos no site www.sesc-rs.com.br/ingressos, no SAC do Sesc Centro ou uma hora antes do espetáculo na bilheteria no Café Concerto do Sesc Centro, a partir de R$ 10.
Ainda no mês de março, o Sesc Centro oferece uma apresentação gratuita que busca trazer a cultura e as belezas do Haiti por meio da música e da palavra.
O evento “Kreyòl Nou Ye – Cultura Haitiana”, realizado por diversos artistas haitianos, retrata a realidade e percepções destes migrantes que percorreram longa jornada até chegarem ao sul do Brasil.
A atividade acontece no dia 29/03, às 20h, com entrada franca. Com 90 minutos de duração, a atração é indicada para pessoas a partir de 12 anos.

Feminicidas – O machismo que mata. Esse é o tema da exposição da artista plástica gaúcha Graça Craidy, que alerta para o crescente número de feminicídios no Brasil. A mostra inaugura na quinta-feira, 7 de março, às 19h, no Foyer da Sala O Retrato, no 4º andar, do Centro Cultural CEEE Erico Verissimo, em Porto Alegre (Rua dos Andradas,1223). A exposição, com entrada franca, vai até o dia 11 de maio, de terças a sábados, das 10h às 19h.

A jurista Maria Berenice Dias e a artista visual Clara Pechansky, duas importantes figuras do Direito e das artes, assinam os textos de apresentação e avalizam o trabalho de Graça Craidy.

Grande políptico

A mostra é constituída de um grande políptico (3,60 m X 1,80 m), com 12 telas (90 cm X 60 cm), em que a artista retrata 12 homens de várias classes sociais e faixas etárias, portando armas no lugar do pênis. Inspirada em casos reais, Graça busca, com isso, denunciar uma verdade estarrecedora: os assassinos de mulheres, em sua maioria, são seus próprios maridos, companheiros, namorados e ex, movidos pela falsa certeza machista de posse e superioridade sobre suas companheiras. Quando elas se separam, eles as assassinam, reforçando a crença de que são seus proprietários.

Desde 2014, Graça Craidy tem se aliado à conscientização sobre feminicídio em suas pinturas, criando várias séries com denúncias da violência contra a mulher e mostrando, em suas telas, a dor e o horror provocado nas vítimas desse tipo violência. Desta vez, a artista escolheu retratar quem pratica esses crimes: os homens.

 “Nessa exposição, foco na figura dos maridos e ex para enfatizar duas coisas: que os feminicidas estão em todas as classes sociais e faixas etárias; e que a liberação de armas, no Brasil, com a nova lei, vai facilitar o crime e aumentar ainda mais o número de vítimas, que hoje já atinge 40% só com armas de fogo. É uma tragédia anunciada”, protesta a artista.

Agravo da violência

Os números confirmam que os crimes contra a mulher estão em ascensão no País. Dados do Fórum Brasileiro de Segurança Pública apontam que 12 mulheres são mortas por dia no Brasil vítimas desse tipo de crime. E, no último ano, a situação se agravou, com uma explosão da violência contra a mulher entre 2017 e 2018. O balanço do Ministério dos Direitos Humanos – agora Ministério da Mulher, da Família e dos Direitos Humanos, mostra que a média mensal de agressões contra as mulheres subiu 24%.

No Rio Grande do Sul, os dados também revelam um agravamento da violência. Foram 117 assassinatos enquadrados como feminicídios em 2018, um aumento de 40,9% em relação ao ano anterior, segundo informações da Secretaria de Segurança Pública. No mesmo período,  o número de tentativas de feminicídio cresceu 9,5% no Estado.

Máquinas mortíferas

A advogada e desembargadora aposentada Maria Berenice Dias, maior autoridade jurídica do País em violência doméstica, endossa as estatísticas e a exposição: “os números se revelaram surpreendentes e mostram que homens são verdadeiras máquinas mortíferas e que o lugar mais perigoso para a mulher é o seu lar doce lar, do qual torna-se refém. Por isso, é muito emblemática a corajosa exposição de Graça Craidy, que bem retrata esta realidade”.

Ausência de voz

Clara Pechansky, artista visual há mais de 60 anos, que tem se manifestado em suas personagens femininas sem boca, denunciando sutilmente a ausência da voz feminina na cultura machista, também analisa a abordagem pictórica de Graça Craidy. “Com um desenho de traço nervoso e áspero, propositadamente produzido como um rascunho, ela busca levantar o véu que encobre a face e o corpo das mulheres violadas. Na obra, os homens estão nus e usam seu machismo como arma”, analisa.

Graça Craidy (Ijuí/RS, 1951) é artista visual e publicitária, graduada e mestre em Comunicação (PUCRS), com extensão em Administração para o 3º setor pela FGV. Foi professora de Processo Criativo na ESPM Sul e trabalhou na área de Criação, em agências de propaganda em Porto Alegre e São Paulo. Estudou desenho e pintura no Atelier Livre da Prefeitura, no MARGS, em Porto Alegre, no Instituto Tomie Ohtake, em São Paulo, e na Accademia D Arte, em Florença, na Itália. Foi aluna de Dalton de Luca, Renato Garcia, Daisy Viola, Will Cava, Paulo Chimendes, Debora Paiva, Lilian Mauss, Gustavo Diaz, Fernando Baril, entre outros. Expôs em importantes espaços de Porto Alegre, como MACRS -Museu de Arte Contemporânea do RS, Memorial do RS, Espaço Cultural Correios RS, Assembleia Legislativa, Palácio da Justiça, Paço Municipal, CC CEEE Erico Veríssimo, em Porto Alegre, e Casa de Cultura Erico Veríssimo de Capão da Canoa, e Casa de Cultura de Caxias do Sul, entre outros. Já expôs em mais de 20 individuais e em mais de 30 coletivas. É artista catalogada e possui duas obras no acervo do MACRS. Ilustra a capa do livro A Lei Maria da Penha na Justiça, de Maria Berenice Dias.

Serviço:

Exposição Feminicidas – O machismo que mata. 

Local: Centro Cultural CEEE Erico Verissimo, 4º andar, Foyer da sala O retrato. Endereço: Rua dos Andradas 1223, Centro Histórico, Porto Alegre

Abertura: 7 de março, às 19h

Visitação: Até 11 de maio, de terça a sábado, das 10 às 19h

Agendamento de visitas: (51) 3226-7974

Entrada franca.

No dia 28 de fevereiro,às 16h, o artista Paulo Favalli espera o público para um bate-papo no auditório do MARGS sobre a exposição Homo Machina. O evento, com coordenação do Núcleo Educativo do MARGS tem entrada franca.

A exposição “Homo Machina – Esculturas de Paulo Favalli” pode ser visitada até 13 de março, nas Salas Negras do MARGS. A mostra, com curadoria de José Francisco Alves, tem entrada franca. Visitas mediadas podem ser agendadas no e-mail educativo@margs.rs.gov.br.
São 14 obras do escultor – e também cirurgião plástico –Paulo Favalli (Porto Alegre, 1974), o qual realiza a sua primeira exposição individual da carreira no MARGS.
As esculturas têm como tema a anatomia humana. Favalli modela partes do corpo em barro ou plastilina e as funde em bronze. A seguir, ele opera uma simbiose desse bronze corpóreo em junção com peças mecânicas, analógicas e digitais. Desse modo, resultam obras híbridas que unem técnicas escultóricas tradicionais da modelagem e fundição com procedimentos contemporâneos de apropriação e assemblagem (montagem), remetendo ao clássico conceito homem-máquina, na ficção científica conhecido como ciborgue.

O curador da mostra, José Francisco Alves, escreveu o texto abaixo sobre o artista e sua obra:
Gabinete de Anatomia high tech
“Uma das gratas novidades nas artes visuais é o aparecimento do escultor Paulo Favalli, o qual produziu a sua primeira escultura em 2008, mas que somente recentemente se pôs a intensificar sua particular produção. Dentre as inúmeras abordagens que a sua obra desperta, vemos em primeiro lugar a união da tradição acadêmica escultórica com a arte contemporânea. Favalli é um escultor que domina totalmente a modelagem da anatomia humana, à luz do academismo europeu do modelo vivo e do estudo com cadáveres. Vimos isso, como exemplo, com a Escola de Belas Artes de Lisboa, que oferecia disciplina de anatomia e dissecação e cadáveres aos futuros artistas, diretamente na Faculdade de Medicina, tal qual a cursaram Leopoldo de Almeida e Vieira da Silva, importantes nomes da arte portuguesa.
O talento em modelagem e desenho de Favalli foi desenvolvido por ele mesmo, eis que autodidata em arte, e o seu conhecimento do corpo humano parte de uma base científica. Filho de psicanalista, já na infância os livros de anatomia o fascinavam. Como o próprio artista diz, “observar aquelas lindas ilustrações saciava a minha curiosidade sobre quais mecanismos estariam por trás dos movimentos dos dedos, dos batimentos cardíacos, ou do olhar.” Por esta influência familiar, Favalli se formou em medicina. Ao longo do curso, seu contato com o célebre cirurgião Roberto Corrêa Chem o fez optar pela cirurgia plástica, especialidade entre as quais exige muito talento em reconstituir e transformar a nossa composição anatômica – e na qual Favalli também possui estudos de pós-graduação na França.
Além da modelagem, esta produção reivindica ainda mais sobre a tradição escultórica, com a milenar arte da fundição. Favalli modela partes do corpo humano (com barro ou plastilina), aplica o conhecimento que domina do que se cria, e este resultado é fundido em bronze, na conceituada fundição de Jamil Fraga. A contemporaneidade molda o produto final e agrega às obras o elemento principal, temático, do que interessa ao artista do corpo humano e como se especula sobre ele: o impacto da tecnologia que nós criamos e podemos empregar em nós mesmos. Um futuro que já fricciona o presente, o homem-máquina, em aspecto que vai ao encontro de outro interesse do artista, o cinema SciFi e Science Fiction, a exemplo dos filmes de Kubrick, Ridley Scott, Spielberg, G. Lucas e outros. O recurso duchampiano da apropriação de elementos industriais, no caso, peças analógicos ou digitais, une maquinário a elementos do corpo humano; este corporificado como carne de bronze, a natureza escultórica da qual é base.
Favalli, em seu “gabinete de anatomia high tech”, nos apresenta músculos e tendões com reforços mecânicos, olhos como máquinas fotográficas, cérebros com hard disks, corações com pistões, circuitos diversos, etc. Membros e órgãos que recebem “melhorias” tecnológicas, um futuro antecipado pela Ficção Científica: os ciborgues. Também como o artista declara, esta junção de “materiais eletromecânicos às funções orgânicas de nossa anatomia também nos faz refletir sobre este tema tão constante e universal, que é a nossa constituição biológica em profunda relação com as máquinas criadas por nós mesmos”.
Deste grupo de esculturas que ora apresenta-se, a maioria versa sobre os reforços cibernéticos de nossos órgãos e o resultado plástico que tais configurações podem tomar, à luz da arte e sob referência à Ficção Científica. Mas também há trabalhos que nos remetem a dispositivos de museus de ciências, como The Super Eyeght Camera (Singulari apparatus optica), uma visão particular ao funcionamento do olho humano, e mesmo o diálogo com a História da Arte, La Petite Danseuse du XXIème Siècle, sua obra mais recente e uma releitura de “A pequena dançarina de 14 anos” (c. 1881), de Edgar Degas.
As proposições singulares de Favalli, enquanto possibilidades de abertura plástica ao problema humano-tecnológico, não fogem também às conjecturas éticas que a questão levanta. Ao mesmo tempo em que há o encanto com os “avanços” cibernéticos, o artista se coloca como crítico no sentido de alertar o quanto dependentes estamos nos tornando da tecnologia, o que pode acabar por nos encaminhar a um futuro incerto”.
José Francisco Alves
Doutor e Mestre em História da Arte, membro da AICA e ICOM. Graduado em Escultura, é professor de Escultura e teorias de arte no Atelier Livre da Prefeitura de Porto Alegre.

SERVIÇO
Título: Homo Machina
Artista: Paulo Favalli
Abertura: 15 de janeiro de 2019, às 19h
Curadoria: José Francisco Alves
Visitação: De 16 de janeiro a 13 de março de 2019, de terças a domingos, das 10h às 19h
Local: Salas Negras do MARGS
Entrada franca
 

“Biblioteca Pública Recuperando a Memória” é o projeto da Biblioteca Pública do Estado do Rio Grande do Sul (BPE-RS), de arrecadação de recursos para o restauro de algumas obras de seu acervo, que caracterizam a história gaúcha.

Qualquer um – pessoa física ou jurídica – pode participar, doando um valor estabelecido, recebendo um Ex-Libris – selo com o nome do adotante no livro recuperado – como reconhecimento à contribuição na cultura estadual.

São aproximadamente 70 obras, na maioria das vezes antigas e esgotadas, que as torna importantes por resguardar a memória do Estado.

A reparação é feita por empresas privadas e os valores variam, conforme o estado de conservação/deterioração da peça a ser trabalhada.

Os interessados devem entrar em contato com a instituição da Secretaria de Estado da Cultura, pelo e-mail bpe-rs@sedac.rs.gov.br, para escolha do título desejado. Feito isto, a obra é avaliada e repassado o orçamento.

O valor estipulado pelo Atelie de Restauro deve ser depositado na conta da Associação dos Amigos da Biblioteca Pública do Estado, seja pela metade ou integral, para que se inicie o processo. Após concluídas estas três etapas, a publicação irá para a empresa, demorando em média, de um a dois meses, para ser restaurada e entregue à biblioteca.

Informações sobre o assunto podem ser obtidas com Fátima Francisco, no Setor RS, pelo telefone 3225-9619 ou com a diretora Morgana Marcon, via fone 3225-9426.

Francisco Ribeiro
A morte do pintor holandês Vincent Van Gogh (1853-1890) não é o tema central de “No portal da Eternidade” (Julian Schnabel, 2018). Entretanto, algumas cenas no final do filme – de caráter dúbio, sugerindo uma tese ou um delírio – deixam o espectador com uma pulga atrás da orelha, e reabre a polêmica sobre o tiro que matou o artista na localidade de Auvers-sur-Oise, França, em 29 de julho de 1890. Afinal, foi um suicídio ou um homicídio involuntário, acidente?
É antiga a hipótese de que o tiro que matou Van Gogh não foi efetuado por ele. Uma das teorias atribui o fato a um acidente perpetrado por dois adolescentes – um dos quais, no dia fatídico, estaria vestido de cowboy – que “brincavam” com uma arma que não funcionava bem. Eles eram conhecidos de Van Gogh que, para protegê-los, teria assumido a autoria do disparo: “não culpem ninguém”, teria dito no seu leito de morte”, ocorrida dois dias após ter sido baleado. Tese que, nos anos 30 do século passado, foi veiculada pelo renomado historiador de arte John Rewald, autor de vários livros sobre pintores impressionistas. E também, mais recentemente, pelos biógrafos Gregory White Smith e Steven Naifeh, autores de “Van Gogh, a vida” (Companhia das Letras, 2012).
O filme de Schnabel expõe a teoria do homicídio involuntário através de uma seqüência rápida de imagens, praticamente um clip, em que aparecem dois adolescentes em atividade lúdica, a indumentária de um cowboy, o disparo, a arma jogada no rio, e a caminhada do artista ferido até o seu quarto. Contudo, não se trata de um ponto de vista claramente assumido, pois sugere também um delírio, um surto psicótico, como tantos outros, num dos quais, em dezembro de 1888, fizera com que cortasse a própria orelha. Episódio cuja autoria também gera polêmica, alguns atribuindo a Gauguin.
E, ainda no filme, o questionamento do doutor Gachet (Mathieu Amalric) junto a Van Gogh – de como ele poderia ferir-se com um revólver se jamais possuiu um – não chega a ser um argumento contundente. Neste aspecto, a bela animação, “Com amor, Van Gogh”, 2017, uma narrativa em forma de triller, abordando pessoas e situações envolvendo o pintor na fase final de sua vida, coloca questões mais pertinentes (vide infra) para refutar ou assumir a tese do suicídio.
Fora da ficção, nem a extensa correspondência com o irmão – levando-se em conta as últimas cartas e a alternância de humores – aporta uma prova cabal. Afinal, qualquer um, com um histórico desequilibrado ou não, numa situação limite, pode atentar contra a sua vida.De certo, em Van Gogh,, foram as crises, os surtos, as alucinações e os delírios que povoaram sua curta existência, apenas 37 anos, e que lhe valeram algumas internações em sanatórios. E por isso a hipótese do suicídio ser comumente aceita.
De certo, também, é que não foi somente um louco ou, pelo menos, não o tempo todo. Gostava muito de beber e, sobretudo, de pintar. Atingiu nesta arte a designação de gênio, principal motivo de tantas biografias e cinebiografias, tornando-se interessante examinar mais detalhadamente algumas destas ultimas, ainda longe serem definitivas. Resta muita coisa pra contar sobre o seu universo mágico e colorido, e o cinema, e sua telona, é o melhor canal.
Uma vida, várias (cine)biografias
Há muitos livros e filmes que exploram a “totalidade” ou certos períodos da agitada, termo mais apropriado, vida de Van Gogh, pois, está provado, não dá, como querem alguns, resumi-la aos seus aspectos mais trágicos. Os biógrafos, por mais rigorosos que sejam em suas pesquisas e investigações, defrontam-se sempre com o inexorável, o inapreensível, pois, “o gênio perambula por esses caminhos misteriosos”, diz o livro de Gregory White Smith e Steven Naifeh.
Com respeito aos filmes – do clássico “Sede de viver” (Vincent Minelli, 1956), a “No portal da eternidade” – roteiristas, com suas histórias, e diretores, com sua criatividade visual, têm procurado explorar momentos ou fatos ligados a personalidade do artista, mas sempre ressaltando, como principal traço, a obstinação, seguido do gosto pela bebida, e a forte ligação com o seu irmão Theo Van Gogh.

Assim, o Van Gogh interpretado por Kirk Douglas em “Sede de Viver” é um ser febril, muito engajado em tudo que empreende, alternando desejos de santidade com surtos demoníacos. O filme mostra um Van Gogh encarando a arte como uma espécie de apostolado, e a origem disso, ele, filho de uma pastor, atuando, antes de descobrir sua verdadeira vocação, como missionário protestante na região mineira do Borinage, Bélgica. Baseado na biografia de Irving Stone, “Sede de Viver”, rendeu a Anthony Quinn, que interpretou Gauguin, o seu segundo Oscar de melhor ator coadjuvante.
Já o Van Gogh de “Vincent e Theo” (Robert Altman, 1990) é mais cru, apresentando um personagem com os dentes permanentemente sujos pelo tabaco, e, em boa parte do tempo, vestindo trapos. O Van Gogh vivido por Tim Roth é um ser mais próximo daquele comumente encontrado num asilo público de alienados. Também aborda de maneira mais clara as questões pecuniárias, e ressalta o fato do artista sentir-se um fardo como o motivo principal do seu suicídio. Trata-se, sem dúvida, da mais depressiva das ficções enfocando a vida do pintor. E, assim como em “Sede de viver”, adere explicitamente à tese do suicídio.
Numa espécie de compensação, um ano depois, 1991, o diretor francês Maurice Pialat construiu, através do ator Jacques Dutronc, um “Van Gogh” intrigante, sedutor e boêmio, capaz, inclusive de fazer brincadeiras. Traços, enfim, que o colocam longe daquela figura permanentemente atormentada que sempre colam a sua pele. Dutronc vive o mais carnal dos Van Gogh, e a tensão, constante, decorrendo mais das paixões do que por um problema de insanidade mental. Neste filme, a morte de Van Gogh, em princípio, parece resolver os problemas de todos: de Theo, por ter de sustentá-lo; o doutor Gachet, em relação a filha, e ao próprio Vincent. A autoria do disparo não fica esclarecida.
Já a bela animação “Com amor, Van Gogh” é uma narrativa em tom de suspense, uma investigação sobre a morte do pintor. Ele realmente se matou? As argumentações contrárias são fortes. Quem quer se matar não dá um tiro na barriga, atira na cabeça ou na boca. E, dado o tiro no estômago, percebendo que continuava vivo, por que não completou o serviço, dando um segundo tiro? Arrependimento?Questões pertinentes, mas o que mais se destaca é a excelência do tratamento plástico, graças à contribuição de dezenas de artistas, transformando o mundo em animadas telas de Van Gogh.
Um artista em busca do absoluto
A versão de Julian Schnabel vai por um caminho diferente. Também não é primeira vez que biografa aspectos da vida de um artista. Em 1996 filmou “Basquiat” – pintor, grafiteiro, poeta, etc – outro marginal que, ao contrário de Van Gogh, teve seus 15 minutos de fama. Basquiat não teve um Theo para sustentá-lo. Foi retirado, literalmente, das ruas para o efêmero, morreu de Aids, estrelato. Em vida sentia-se tão maldito, excluído, rejeitado quanto Van Gogh, acrescentando mais o preconceito por ser negro.
Vinte anos separam “Basquiat” de “No portal da eternidade”. Schnabel, nesta aventura, contou, na elaboração do roteiro, com a prestigiosa e competente colaboração de Jean-Claude Carrière, o grande parceiro da fase gaulesa do diretor espanhol Luis Bunel (1900-1983), um realizador célebre na arte do delírio, do surreal, principalmente quando esteve associado a Salvador Dali (1904-1989).

Mas de louco, no filme de Schnabel, só o sistema, a sociedade. É ela a grande promotora de tensão e agressividade. Expressa no filme através das crianças que, atiçadas pelos comentários dos adultos, sentem-se encorajadas a agredir um ser aparentemente mais frágil do que elas. Esquizofrenia pura. Afinal, trata-se da mesma sociedade que,depois de morto, irá glorificá-lo e lucrar com ele, erguendo museus e colocando placas nos muquifos em que viveu. Transformando em lugares de peregrinação os mesmos caminhos onde antes lhe atiravam pedras. O capitalismo é necrófilo
Mas isso, assim como a especulação sobre a morte de Van Gogh, é periférico. Schnabel, ele próprio um pintor, explora o fazer artístico ou, mais precisamente, tenta materializar algo impenetrável, a sensibilidade aguçada que diferencia o artista de gênio do resto dos mortais. Nisto contou com esplêndida atuação Willem Dafoe, que, por ela, ganhou o prêmio de melhor ator no Festival de Veneza. Dafoe, como os colegas que o precederam na interpretação do pintor holandês – Kirk Douglas, Tim Roth, Jacques Dutronc – tem o phisique du rôle. Também não pesou a idade, 64 anos, pois caracteriza bem as feições de alguém precocemente envelhecido, que extraiu todo o sumo da vida, a sua.
E a bela fotografia do filme ajuda a materializar um pouco daquilo que se imagina tenha sido a percepção do mais febril dos impressionistas. Variação de planos valorizando as paisagens, a vegetação, as cores luxuriantes, o sol, coisas intrinsecamente, sensorialmente associadas à pintura. Bom uso da câmera subjetiva fazendo o espectador assumir a visão de um personagem em comunhão com a natureza. Totalmente entregue a pintura, o Van Gogh de Dafoe,é um personagem Zen, absorvendo, literalmente, aqueles cenários naturais ou moldados pelo homem, como os campos de girassóis ou trigo.
Enfim, “No portal da eternidade” deve ser interpretado como uma metáfora para a glória e não para a morte. Os dois últimos anos da vida de Van Gogh são comparáveis à força de um poema selvagem, místico. E ah, que trabalhador, pintou 75 quadros durante os 80 dias que passou em Auvers-sur-Oise, ritmo de produção só alcançado em Arles, pré-orelha cortada. Obras consideradas entre as melhores pinturas já realizadas em todos os tempos. É o que importa. O resto são pó e ossos.